Entrevistas Clandestinas

Entrevista Clandestina- Novalima

2011-03-17T22:00:00.000-07:00

Novalima es un colectivo musical que nació en 2001 de la mente de cuatro músicos residentes en diferentes rincones del mundo con la intención de formar la música afro-peruana. La música de Novalima sale de influencias de percusiones afro-peruanas y latinas fusionadas con beats electrónicos de dub, broken y house fusión electrónica contemporánea de moda en las capitales musicales del mundo.

Novalima En Vivo

Libertá

Entrevistas Clandestinas a Ratnabali

2010-09-18T20:00:00.001-07:00

Entrevistas Clandestinas Ratnabali by Sonidos_Clandestinos

Entrevistas Clandestinas a Angel San Pedro del Rio

2010-09-11T20:00:00.000-07:00

Entrevista a Angel San Pedro del Rio by Sonidos_Clandestinos

Entrevistas Clandestinas Alessandra Leao

2010-08-07T20:00:00.000-07:00

Entrevistas Calndestinas Alessandra Leao by Sonidos_Clandestinos

Entrevistas Clandestinas: Petrona Martinez

2010-07-31T20:01:00.000-07:00

Heredera de una fuerte tradición de cantadoras de bullerengue, Fue iniciada por su bisabuela Carmen Silva y continuada por su abuela Orfelina Martínez y su tía Tomasita Martínez, a quienes escuchó cantar desde niña, mientras hacían sus labores diarias, y durante las fiestas patronales de San Cayetano.

La primera vez que salió de Colombia fue en el año 2000. Cuando acompañada de su hijo se fue a Europa. Al año siguiente, ya como una ciudadana del mundo viajó a Bristol, Inglaterra, para grabar su disco “Bonito que canta”. Su último trabajo discográfico se titula “Mi Tambolero” y fue editado en el año 2003.

Hablamos del bullerengue y hay que aclarar que este toque y baile tiene diversas variaciones o aires:

Bullerengue Sentao, mas candencioso y lento el cual permite a la cantadora hacer variaciones líricas y melódicas explotando sus recursos expresivos.

El Fandango que utiliza el canto onomatopéyico y si bien su configuración melódica es similar al sentao está en clave ternaria.

La Chalupa , una variante del Bullerengue de tiempo mas acelerado y de carácter festivo.

Las cantadoras bullerengueras componen sus canciones mientras realizan tareas cotidianas. Las letras refieren a sus labores, sus costumbres y transmiten la identidad de su pueblo. Los cantos tienen estructuras responsoriales. Las cantadoras suelen versionar continuamente piezas tradicionales y en muchos casos anónimas. En general el oficio de cantadora y bailadora se aprende por tradición familiar. Se respeta a los más ancianos por ser portadores legítimos de la tradición. No solamente respecto de la música, las cantaoras ancianas saben también de plantas medicinales, gastronomía y rezos.

Si bien Petrona Martinez es denominada la reina del Bullerengue, es una gran cantadora de Chalupas como la que abre su disco de reciente edición Argentina “Bonito que canta” titulada “La Vida vale la pena”.

Entrevistas Clandestinas Petrona Martinez by Sonidos_Clandestinos

Entrevistas Clandestinas Hernán Gamboa

2010-07-17T20:00:00.000-07:00

Nació en Venezuela el la ciudad de San Tomé (Estado Anzoátegui), es instrumentista, compositor y cantautor. Ha llevado el Cuatro venezolano a más de 60 países del mundo, y es reconocido como el mayor difusor de este instrumento en el mundo. Además es el creador de una técnica de ejecución única, que fue bautizada como “Rasgapunteo”. Es por ello que se le conoce como “El Cuatro de Venezuela”. Fue miembro fundador del Grupo “Serenata Guayanesa”, agrupación a la en la cual permaneció 15 años cosechando grandes éxitos y logrando una gran proyección internacional.

Gamboa ha sido la primera persona en interpretar tangos con el cuatro venezolano en Buenos Aires y Montevideo. Por otra parte, ha compartido sus interpretaciones tangueras y milongueras en conciertos con figuras como: Libertad Lamarque, Susana Rinaldi, Mercedes Sosa, León Gieco, Eladia Blazquez, Jaime Torres, Facundo Cabral, Ramón Navarro, Julio Marbiz, Lucho González y Nicolas “Colacho” Brizuela.

En su ultimo trabajo, “el embajador del cuatro en el mundo” rinde un homenaje a Venezuela y Argentina. En sus 18 temas “Jorpotango” incluye joropos muy reconocidos como “Caballo Viejo”, “Amalia Rosa” y “Pajarillo Verde”, hasta tangos emblemáticos como : “El choclo” y “Mi Buenos Aires querido”, además de un tango de su autoría : “Buenos Aires de arrabal”. Gamboa tambien aprovechó la oportunidad homenajear con sus composiciones a importantes artistas argentinos como Carlos Gardel, Atahualpa Yupanqui, Eduardo Falú, Aníbal Troilo y Sandro.

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Entrevistas Clandestinas: Joe Lavano

2010-06-26T20:00:00.000-07:00

Textos: Magali Schwartzman

José Salvatore, más conocido como "Joe" Lovano, es uno de los saxofonistas tenores más conocidos mundialmente. Nació un 29 de diciembre de 1952 en la ciudad de Cleveland, Ohio.

Desde chico tuvo una gran influencia en la música, ya que su padre, el saxofonista Tony "Big T" Lovano, lo introdujo en el jazz.

A mediados de los años setenta, Lovano, comenzó a grabar con el guitarrista, George Benson, y a participar en orquestas de Woody Herman (saxofonista soprano) y con la banda de Mel Lewis. Durante los años ochenta, Joe Lovano, fue uno de los saxofonistas contemporáneos más significativos debido a sus apariciones con Paul Motian, baterista de jazz, percusionista y compositor, y Carla Bley, compositora, cantante, saxofonista, pianista.

En 1985, grabó su primer disco titulado "Tones, Schapes and Colors" con el sello de Soulnote, un cuarteto con el pianista, Ken Werner, el bajista, Dennis Irwin y el baterista, Mel Lewis. Con este álbum logró tener un gran reconocimiento artístico lo que lo llevó a formar un trío con Paul Motian y Bill Frisell, y además, un quinteto que colidera en la actualidad con John Scofield, guitarrista de jazz y compositor.

A finales de 1990, formó la Cumbre de saxofón con Dave Liebman y Michael Brecker.
En 1991 abandonó la discográfica y firmó contrato con Bluenote donde grabó uno de los grandes discos de la década del jazz contemporáneo “From the Soul”.
En la actualidad, Lovano, es un artista de jazz conocido a nivel internacional. Ha obtenido una Down Beat "Álbum de Jazz del Año", fue ganador de un Grammy al Mejor Conjunto por el álbum “Calle 52a Temas” que fue editado en el año 2000 y además, conserva en su haber una larga lista de premios.

En el año 2002, grabó un disco dedicado a las composiciones del cantante italiano de ópera, Enrico Caruso, llamado “Viva Caruso".

En 2006, Lovano publicó “Corrientes de expresión”, un homenaje a dos diferentes géneros de jazz, con la colaboración de Gunther Schuller , que contribuyó con su "Birth Of The Suite Cool". En mayo del mismo año, el Festival de Jazz que se realiza en Buenos Aires, lo trajo a tierras argentinas donde tocó por primera vez con el trompetista, Gustavo Bergalli.

Actualmente conduce su cuarteto con Berklee Facultad y a estudiantes de Esperanza Spalding, James Weidmany Otis Brown.

Joe Lovano aporta una nueva visión de la música de jazz, adapta la música improvisada y el encanto de las composiciones de la música clásica. Es uno de los mejores saxofonistas, reconocido mundialmente en la historia del Jazz..

Entrevistas Clandestinas Joe Lavano by Sonidos Clandestinos

Entrevistas Clandestinas: Bomba Estéreo

2010-06-05T20:00:00.000-07:00

Textos: Magali Schwartzman

BOMBA ESTÉREO es un grupo colombiano que fusiona la música electrónica, el reggae y el rap con música de su país como la cumbia y la champeta.

Esta banda se inicio en el 2005, en Bogotá, como un proyecto de música electrónica a cargo de Simón Mejía en voz, anteriormente había integrado los grupos Charconautas y AM 770, y D.j. Fresh. Editararon así, su primer álbum “Volumen 1”. Su primer corte fue “Huepaje” donde se incluyó la voz de Liliana Saumet, coautora de las letras de Bomba Estéreo. Luego se transformó en un cuarteto al lado de Kike Egurrola en la batería y Julián Salazar en guitarra y Diego Cadavid en percusión.

El grupo ha trascendido las fronteras de Colombia con presentaciones en Europa (Roskilde), Brasil, Japón y Nueva York, Estados Unidos. Además compartieron escenario con grandes artistas como Calle 13, La 33, Cocquibtown, Tres Dueños, entre otros.

Es posible que tu navegador no permita visualizar esta imagen. En 2008, lanzaron su segundo CD “Estalla” un álbum que está compuesto por 12 canciones donde la percusión, la guitarra y la voz de Saumet, juega con las bases electro que están en cabeza de Simón Mejía, logrando una exposición variada, fiestera y potente. Lo acompaña un lenguaje urbano, callejero y directo, las posturas aluden a las mentiras del Presidente de Colombia, Álvaro Uribe, manifiestan explícitamente el deseo sexual en canciones como “Cosita Rica” y critican a las niñas plásticas como lo hacen en “Niña Rica”:

“…Papeleria de primera material de exportación

Estás en lista con toda la con toda la vista en la última edición de Vogue (…)

Pobre sociedad hecha de portada beben lo que pueden y no comen nada…”

La gira promocional de "Estalla Sur Tour 2010" comenzó en el Reino Unido en 2008,

pasando por Brasil en el 2009 y el festival SXSW 09 en Austin, Texas.

El show en vivo se caracteriza por el acoplamiento entre sonidos electrónicos con músicos en vivo y proyección de video.

En la actualidad, Bomba Estéreo es una de las agrupaciones más importantes de la nueva música colombiana, es el máximo exponente de la cumbia sicodélica.

Entrevista Clandestina Bomba Estéreo by Sonidos Clandestinos

Entrevistas Clandestinas: Tonolec

2010-05-22T20:00:00.000-07:00

Dúo originario de Resistencia, Chaco, integrado por la cantante Charo Bogarín (tataranieta de caciques guaraníes, cantante y letrista) y el músico Diego Pérez (programador de samplers y máquinas), ambos compositores que reafirmaron su labor musical abordando la fusión de lo étnico con lo electrónico.

Estos jóvenes artistas se dedicaron a investigar la cultura aborigen toba desde adentro, intercambiando experiencias musicales con las comunidades toba originarias del norte argentino y trabajando exhaustivamente en la mixtura de los cantos populares originarios con la electrónica.

Parte de su trabajo se basó en las rondas de canto y de baile del coro de mujeres y hombres toba “Chelaalapi” (bandada de zorzales). Las canciones tradicionales que aprendieron les fueron transmitidas oralmente por los ancianos de esa comunidad, más allá de todo el material histórico que lograron recopilar. También realizaron experiencias junto a la comunidad toba de Derqui, provincia de Buenos Aires.

De allí nace Tonolec, caracterizado por la voz poderosa e intimista de Charo y las refinadas composiciones de Diego. Ambos son autores y plasman en su obra canciones propias en lengua castellana y en lengua toba, con el interesante aditivo de versiones de cantos tradicionales de la etnia qom (toba).

El principal objetivo fue entonces crear música con identidad, volviendo a las raíces más profundas y mirando con más detenimiento al medio en donde fueron criados. El trabajo con las comunidades toba es el leit motive de la obra de Tonolec, que al final del camino recorrido nos ofrece una voz femenina entretejiendo diálogos diversos con la naturaleza, delicadas mixturas entre sonidos acústicos y coros indígenas procesados. Y finalmente, la comunión de todos estos elementos dando la conformación de paisajes diversos por los cuales es posible imaginar el tránsito de los primeros hombres sobre el suelo argentino.

El primer disco del dúo, donde conviven canciones propias y tradicionales, cantadas en lengua toba y en castellano, con sonidos como el n´vique (violín de una sola cuerda) y secuencias electrónicas, fue el resultado de un viaje circular.

En 2001, con el nombre de Laboratorio Wab, los chaqueños ganaron un concurso de MTV que los llevó vía directa a Europa. Allí les surgió el interrogante de qué hacer de modo original con respecto a otros grupos de música electrónica. Por tal motivo a la vuelta de su viaje se quedaron a vivir en Buenos Aires sabiendo que necesitaban volver a sus raíces; en un viaje a Resistencia (Chaco) conocieron a una comunidad toba y ahí cambió todo.
Corría el 2002, junto con la crisis, y el dúo ya se había rebautizado como Tonolec, palabra en qom que denomina al caburé, un ave de canto hipnótico del monte chaqueño. Fueron dos años de investigación sobre la cultura y las canciones populares del pueblo qom. Un intercambio especial con el Coro Toba Chelaalapí y el comienzo de una amistad profunda con la abuela “Iyaqué” Zunilda Méndez.

Acerca de Tonolec

Charo Bogarín: cantante y compositora es, además, Comunicadora Social y Periodista. Ha sido galardonada en el rubro “mejor voz femenina” en el Concurso FEMINA Rock organizado por MTV Latinoamérica y Sgae (Sociedad General de Autores de España) en el año 2001. Ha participado en discos compilados: con los temas “Tunel” y “Piel” de autoría propia con la banda Laboratorio Wav, en el compilado Visionario “Córdoba Electrónica 2001”. También con el tema “Magilandia” como solista, del disco infantil Oidos Soñadores Cuentos y Canciones para ir a dormir, de la Legión de la Buena Volutad (2002). Con los temas “La Cazadora” o “Ipiagai” y “El Rito” en el compilado “Indigenas Urbanos” (2005) perteneciente a la obra: De lo Profundo de la Madre Tierra Volumen 1, Piedra Azul Records.

Ha realizado la Música de la Obra de Danzas Contemporánea “Pentalux” del coreógrafo Roberto Galván, perteneciente a la compañía de danzas “Pies Desnudos”- Buenos Aires Argentina (2006). Ha realizado la banda de sonido del documental: El camino de los Tobas- Del Chaco a Rosario, proyecto ganador del Concurso de Subsidios del Fondo Municipal de Cultura de Santa Fe - Rosario. (2006)

Diego Pérez: composición musical, diseño de sonido y post-producción de sonido. Es Licenciado en Composición Musical, egresado de la Universidad Nacional de Córdoba. Además, ha estudiado interpretación y composición con Alejandro Ruiz y piano en la Escuela de Música, a cargo de la profesora Silvia Fousal.

Además, ha estudiado con Lucio Sodja, Dante Valledor, Luis Levin, Claudio La Roca y Gonzalo Biffarella, entre otros. Actualmente se desempeña como Jefe de Sonido en: GP producciones donde tiene a su cargo la composición de música original, sonorización y postproducción del material realizado en la productora. Ha recibido los premios: Cybernophone 6, selección de obras electroacústicas en Francia. 2001.

Mención especial en el concurso de animación de Ottawa 2001 por la banda de sonido y sonorización de “El Cerebro”, serie de cortos para video. Ganadores del concurso FEMINA Rock 2002 MTV. Mejor banda de sonido por “Se escucha?” en el Festival de cine de Santa Fé 2005.

Entrevista Clandestina Tonolec by Sonidos Clandestinos

Entrevistas Clandestinas: Martín Buscaglia

2010-04-17T20:00:00.000-07:00

Textos: M. Emilia Sganga

Proponer un viaje desde lo sonoro, explorar desde lo perceptible. Comprender los sonidos como aquello en lo que estamos investidos.

Será entonces, desde este viaje donde una nueva puerta abierta nos llevará hacia la expedición, partiendo hacia tierras no muy lejanas. Encaramos así la marcha hacia Uruguay, donde los ríos dejan marcas y el viento lleva y trae una amplia gama de sonoridades.

Y así llegamos a nuestro destino, donde Martín Buscaglia se nos presenta como una de esas puertas que esperan por ser abiertas, sólo nos resta entrar en su mundo. Nacido en Uruguay hijo de padres que entre tantas otras cosas han formado parte del Colectivo “Musicación”. Creado en 1975 como resistencia artística al gobierno militar uruguayo, proponiendo obras de teatro y canciones para niños (quien dice “niños”, dice “adultos”). En la casa de Horacio Buscaglia y Nancy Guguich (padres de Martín) circulaban por entonces, algunos integrantes del colectivo como: Urbano Moraes, Rubén Rada, Eduardo Mateo y Pippo Spera.

Sus relaciones con estos artistas han construido la cotidianeidad de su infancia. Candombe, murga, tango, payada y juego, mucho juego.

Poco a poco comienza a adueñarse de todas estas influencias y lanza en 1997 su primer disco como solista “Llevenle”. Desechando la “erudición sonora”, se lanza hacia la experimentación de sonidos donde el caos resulta de lo más ordenador. Metódico en su trabajo de grabación, y al mismo tiempo al acecho de la improvisación, la payada, y la asociación libre. Amante del surrealismo y de Dada.

Su eclecticismo puede verse al nombrar proyectos como “Cuenta cuentos” (tres discos fueron fruto de este trabajo), donde la propuesta teatral, sonora y audiovisual ganan la escena. Trabajos donde los niños tienen su lugar, donde las canciones pueden escucharse como cuentos para “no dormir la siesta”. Ha dirigido la comparsa“Chin Chin”, compuso e interpretó la banda de sonido para la obra de teatro “la Celestina” y paralelamente lanzó su segundo disco “Plácido Domingo” (en el 2001), donde cuenta con la colaboración de Rubén Rada, Hugo Fatorusso y Leo Masliah.

Luego vinieron discos como “Ir y volver e ir” (2004) y “El evangelio según mi jardinero” (2006), producido junto a Nicolás Ibarburu y con la participación de Juana Molina y Arnaldo Antunes.

Junto a sus Bochamakers (Nicolás Ibarburu, Mateo Moreno y Martín Ibarburu), Buscaglia logra llevar a cabo viajes por distintos espacios y tiempos. Mezclando así funk, candombe, disco, psicodelia, flamenco, tango, y claro, mucha sorpresa.

Al presentarse en sus shows como “hombre orquesta” o con los músicos de los Bochamekers, la improvisación está a flor de piel, sin olvidar el orden del ensayo logra un equilibrio y un lenguaje propio. Canciones, historias y paisajes se entrecruzan en cada tema, e invita siempre a una escucha atenta para quienes estén en busca del juego perceptivo.

Sale al escenario y brillan sus “juguetes sonoros”, se planta en el centro y describe con precisión cada una de las vibraciones por venir, las anticipa al tiempo que las compone.

Abre la puerta al juego, invita.

Entrevistas Clandestina Martín Buscaglia by Sonidos Clandestinos

Entrevistas Clandestinas: Emiliano Muñoz y el Zurdo Bessio

2010-04-10T20:00:00.000-07:00

Hace algunas semanas visitaron Buenos Aires dos murgueros de Pura cepa, que al frente de una banda y sobre el formato canción descosieron el escenario del IFT con una clara impronta murguera en el canto en los arreglos y en las composiciones, Emiliano Muñoz y el Zurdo Bessio presentaron su reciente disco Cantor de Esquina. Siguiendo la tradición de otros murguistas que retoman el rol del cantautor y del formato canción y de banda para expresarse, como por ejemplo Edu Lombardo o Pinocho Routin, Emiliano y el Zurdo Bessio deciden alternar su ardua persencia en los tablados con ser lideres de una banda con formato de rock pero espiritu rioplatense, integrada por Pablo Rey en guitarra, Leonardo Carbajal en bajo, Gustavo Montemurro en Teclado y acordeón a piano, Ignacio Alonso en Bateria y Ferdrico Glison y Freddy Gonzalez en coros murguerso. Cantor de esquina se editó el año pasado en uruguay y este año en nuestro país por el selo Montevideo Music Group. El disco contiene varias composiciones de Emiliano Muñoz y del Zurdo Bessio junto con otros autores que son parte de la banda como Ignacio Alonso y además de algunas canciones murgueras ya clasicas, dos versiones interesantes d elos tangos Tinta Roja y Nieblas del riachuelo.

11 canciones con mucho de murga, pero con mucho de rocanroll en su concepción; postura que ha marcado a fuego el movimiento de MPU que se gestara en la primera mitad de ésta década, y que hoy aparece como un movimiento consolidado y con un público ya determinado.

El Zurdo Bessio (43) comenzó su carrera profesional integrando la murga Amantes al Engrudo, en ese momento tocando el bombo, y en otras oportunidades el redoblante, a lo que poco a poco le fue sumando su estupenda voz. Desde entonces no se ha bajado de los escenarios carnavaleros pasando por agrupaciones como Falta y Resto, Curtidores de Hongos, La Bohemia, Los Saltimbanquis, La Reina de la Teja, Araca la Cana, y otros conjuntos como Los Ocho de Momo, participando además de grabaciones junto a estas murgas y otros artistas como el Canario Luna.

En 1994 se integra a la banda de Jaime Ross, con quien graba y participa en el video del tema “Si me voy antes que vos”, con el que su voz se hizo realmente conocida en todo el país y fuera de él, realizando giras por varios países. También es invitado a participar de la banda de Tabaré Cardozo con la que graba los temas “El Murguero Oriental” y “Montevideo”.

Emiliano Muñoz (36) comenzó su profesión como músico, cantante en el año 1993 en el carnaval, donde formó parte de murga La Gran Siete hasta el año 2002, integrándose luego a Curtidores de Hongos. Desde el 2000 hasta la fecha está estable en la banda contraseña de Jaime Roos, y también participa como solista en la banda de Tabaré Cardozo desde sus comienzos en el año 2002.

A compartido escenarios con Adriana Varela, Rubén Blades en el Gran Rex, sinfónica de Montevideo con el maestro Miguel Pose, Ignacio Copani, entre otros. A participado en discos de Jaime Roos, , Ruben Rada, Tabaré Cardozo, , No te va gustar, y Los Terapeutas entre otros.

Ambos estuvieron charlando en camarines, despues de su presentación en el IFT con Sonidos clandestinos, escuchamos la nota y algunas canciones de este trabajo que estuvieron presentando por estas tierras.

Entrevistas Clandestinias Emiliano y el Zurdo by Sonidos Clandestinos

Entrevistas Clandestinas: Diane Denoir

2009-12-20T20:00:00.000-08:00

En la vida del ya legendario cantautor uruguayo Eduardo Mateo, fallecido en 1990, hubo una mujer que si bien no tuvo implicancia con él desde el punto de vista amoroso, sí fue protagonista de algunas de sus composiciones y de su vida artística. Según describe la monumental biografía de Alencar Pinto, editada en 1994, ciertas gemas creadas por Mateo como Esa tristeza o Mejor me voy estuvieron inspiradas en una mujer que cuando conoció a Eduardo Mateo tenía diecinueve años y unos preciosos ojos verdes. Era estudiante de arquitectura, cinéfila de vocación y admiraba la música francesa.

El verdadero nombre de esta cantante es Diana Reches pero antes de su primer concierto su padre le anunció que no toleraría ver el apellido de la familia anunciado en un espectáculo musical, por lo que decidió llamarse Diane Denoir, en referencia a que solía vestir siempre de negro.

Bajo ese nombre se presentó ante los músicos que tocaban junto a Manolo Guardia en el bar del hotel Lancaster, donde le habían dicho que podía encontrar un guitarrista para sus conciertos.

Cuenta el libro de Pinto que cuando Diane lo escuchó tocar a Mateo inmediatamente le propuso que la acompañara en un concierto que le había surgido en Solís. A partir de ahí se hicieron amigos y todos los días Mateo visitaba la casa de Diane.

En 2005 sus grabaciones editadas originalmente en 1971 pero sin repercusión alguna pasaron de la clandestinidad de coleccionistas y grabaciones piratas a un disco editado en Argentina por un sello independiente. Aquel único registro que compila básicamente temas compuestos por Mateo y Urbano Moraes tiene una duración de apenas media hora y contiene doce temas con influencias de la bossa nova y la chanson francesa, de la cual Diane era adepta. Los temas compuestos por Mateo son Esa tristeza, Los hijos de Don Manuel, Jacinta, Mírate a los ojos, Las flores nuevas, El adiós, Mejor me voy y Hoy te ví.

Mejor me voy fue el único tema que Mateo admitió haberle escrito a Diane. La versión de Diane Denoir cierra el disco.

Acaba de editarse un disco con canciones inéditas de Diane Denoir, junto a Eduardo Mateo sobre grabaciones realizadas entre 1966 y 1968. Ella visitó hace unos días Buenos Aires hace pocos días y Sonidos Clandestinos estuvo conversando con ella.

Entrevistas Clandestinas: Fernando Dewar

2009-04-04T20:00:00.000-07:00

Por Nicolás Falcoff

Desde Cuba, el director del grupo Fernando Dewar y del septeto santiaguero, nos respondió algunas preguntas.

¿Cómo fueron sus primeros pasos en el son?

Mis primeros pasos en el son fueron en la Isla de la juventud, antiguamente llamada, Isla de Pinos; allí fui a estudiar el preuniversitario. Antes que eso, desde los trece años estuve en mi municipio natal (Frank Pais en la provincia de Holguín) involucrado en grupos que interpretaban música internacional de moda en aquellos años.

Al llegar a la isla de la juventud conocí a un músico llamado Anibal Tarafa, actualmente director de una orquesta llamada “Los Panameños”. Anibal tenía en la escuela un septeto y en esos días le faltaba el contrabajo. Yo nunca había tocado ese instrumento pero el y los demás del grupo me animaron y toque en ese septeto durante los tres años de estancia en la isla participando en festivales municipales y nacionales y profundizando así en los conocimientos del son.

Luego estudié en la habana desde el 1984 hasta 1989 e integré el septeto “Son entero” a la vez que estudiaba por la noche en la escuela Ignacio Cervantes en el curso para autores musicales. Al llegar a Santiago de Cuba ya había aprendido algunas cosas elementales del tres y pude integrar un grupo llamado “Expresión”, luego pasé a integrar “Sones de oriente” ya como profesional.

¿Cómo se formó el Septeto Santiaguero?

El grupo se forma como continuidad de “Melodías de ayer”, un conjunto que me llamó para que fuera su director en 1993 pero que ya funcionaba desde 1962. Al jubilarse la mayoría de sus integrantes originales le dimos la orientación de septeto y que mejor nombre que “Santiaguero” en homenaje a todo lo que ha aportado Santiago de Cuba a la música, esto fue oficialmente el 2 de febrero de 1995.

En aquel momento el numero de integrantes era de 8 aunque nos tomamos la licencia de llamarlo septeto con el añadido de las tumbadoras que tocaba Alfredo fuentes quien se jubiló en 1997 y entonces dejamos el formato en 7 músicos.

¿Donde ubicaría el son del septeto santiaguero en relación a la extensa tradición de sextetos y septetos del son cuba?

Al Septeto Santiaguero lo ubico como un grupo que heredó una sonoridad de conjunto sin abandonar la tradición. En la prensa especializada y en algunos festivales además de la comisión nacional de evaluación, dicen que somos el mejor septeto en actividad de cuba.

Yo creo que a diferencia con los demás Septetos el santiaguero no se limita a los esquemas tradicionales del Son y de los demás géneros que se suelen interpretar con este formato. Nosotros hacemos nuestra música más popular e intentamos que siempre el baile sea parte de nuestra proyección en el escenario, que nuestras presentaciones sean una fiesta.

¿Varios de los integrantes del grupo son compositores. Como llevan a cabo el proceso de selección de repertorio inédito?

El proceso de selección de repertorio inédito se realiza de la siguiente manera,

cada uno trae los temas que ha compuesto y lo escuchamos en los ensayos valorando si esta dentro de nuestra línea, de los gustos y preferencias del publico y si juega con el balance lógico de nuestro repertorio, también evaluamos si se equilibra para formar parte de un nuevo disco, hay temas que se proponen una vez y ya son un “gancho” sin lugar a dudas como “Los mangos bajitos” de Inocencio Heredia , tambien recibimos sugerencias de Manuel Domínguez director de la discográfica Nubenegra, quien nos anima siempre a que compongamos nosotros nuestros propios temas.

¿Qué elementos considera que tiene que tener en claro y como prioridades el director de un septeto de son?

El director de un septeto tiene ante todo que saber que tiene una formación que aunque es muy rica desde el punto de vista rítmico y melódico por los instrumentos que lo componen, no es una orquesta grande. Sin embargo, tiene en muchas ocasiones que alternar con ellas o cubrir expectativas de una sonoridad mas amplia, por lo tanto hay que preocuparse por tener ante todo muy buenos cantantes con timbres brillantes y que sean “come candela”, que canten lo mismo un bolero, que un son, que una guaracha. Además se debe tener una percusión fuerte y cohesionada, un bajo que con su tumbao llene y guíe al “bailador” unido al rasgueo de la guitarra y el tumbao del tres. El resto lo aportan los ensayos.

¿Qué diferencias sienten al interpretar su música en cuba (en la casa de la trova por ejemplo) y fuera de su país natal con respecto al modo en el cual el público recibe y siente el son?

Tocar fuera de cuba siempre es una experiencia que reconforta, el publico recibe bien la música aunque la mayoría no tiene mucho conocimiento sobre ella, creo que el hecho de que nuestros ritmos sean muy contagiosos es sobre todo lo que nos hace salir airosos aun en países y ciudades que casi que escuchan un grupo sonero por primera vez.

En “La casa de la trova” aquí en Cuba es diferente ya que hay un publico conocedor que sabe evaluar que es bueno o malo e incluso dar un nivel de jerarquía. De alguna manera el público local es el jurado de la música tradicional cubana.

¿Cómo ubicaría “Los mangos bajitos” en relación a los discos anteriores del septeto?

Los mangos bajitos es un disco que demuestra la madurez del septeto, un disco donde la mayoría de los temas son propios del grupo. Continua predominando el aspecto bailable y por otra parte hemos participado mucho mas en los arreglos y la producción musical.

¿Están trabajando ya en el sucesor de “Los mangos bajitos”? ¿Podría adelantar algo en cuanto a los nuevos temas que están interpretando?

Si, en efecto ya estamos trabajando en lo que será el sexto disco del septeto.

Tenemos algunos temas ya montados y el publico los esta aceptando muy bien, hay uno que se llama “La acupuntura”, también un son dedicado al tres y un tema que hace referencia a como se viven los pregones en estos tiempos.

2008-10-11T20:00:00.000-07:00

Gaby Kerpel

Gaby Kerpel nació en Buenos Aires, Argentina, de pequeño fue influenciado por la música de su hermano Aníbal Kerpel. En su adolescencia Kerpel tomó clases de piano, lo que le sirvió para firmar parte de diferentes grupos tocando los teclados. Además estudió armonía, improvisación y música clásica, Luego se daría cuenta que ser parte de los generos ya establecidos no le serviría de nada, por lo que opto dejarlos de lado.

En 1985, formo parte de La Organización Negra, un grupo de teatro que estaba trabajando en una obra muy particular y en la que él se ocupo de la composición de la música y la interpretó en vivo por 7 años.

Con la idea de crear un sonido acorde a la singularidad de los otros elementos de la obra, Kerpel comenzó a ver la música desde diferentes lugares, aprendiendo a utilizar la tecnología como una herramienta creativa y personal.

En 1993, La Organización Negra se separó y dos de de sus integrantes formaron un nuevo grupo llamado De La Guarda y le pidieron a Gaby que continúe trabajando con ellos. Ese año su hermano Aníbal y su socio Gustavo Santaolalla, visitaron Buenos Aires y comenzaron a trabajar con De La Guarda en un CD editado en 1995 por el sello Island Records.

Santaolalla conforme con el trabajo de Kerpel, produjo el primer disco de Kerpel, “Carnabailito”, el cual se editó en el 2003.

Entre 2003 y 2005, invitado por uno de los creadores de De La Guarda compuso la música de Fuerzabruta un show mucho más ambicioso que su predecesor.

Actualmente, más allá de estar preparando su segundo disco, está llevando a cabo un proyecto como DJ conocido como King Coya basado en remixes de cumbias y géneros adyacentes.

Sonidos Clandestinos estuvo con Gaby Kerpel.

Jorge Vercillo

2008-10-04T18:04:00.000-07:00

Jorge Vercillo nació el 11 de octubre de 1968, en Río de Janeiro. Cantor, compositor y guitarrista, sus primeros pasos en la música fue en los bares de Río de Janeiro a los 15 años de edad.

Su tía, Leda Barbosa, fue quien convenció a Vercillo que dejara el fútbol para dedicarse de lleno a la música, a lo que el le gustaba y amaba.

En 1989 y 1990 gano el Festival Internacional de Curazao, donde presento las canciones “Alegre” y “En la Bahía”, en idioma nativo. Consagrado, Vercillo pudo grabar su primer disco, “Encontro das águas”, producido por Renato Corrêa.
Su disco
EL gran salto para Vercillo es en 1998 cuando funda su propio sello discografico y lanza el disco “Leve” donde grabo a duo con el musico popular Djavan, con excente reconocimiento en todo Brasil, incluso llego a grabar con Caetano Veloso y Alexandre Pires un DVD junto al grupo Só pra Contrariar.

Luego de cosechar una basta lista de discos, cosechar premios como los Premio TIM 2007 como mejor cantante por voto popular, hoy Jorge Vercillo esta presentando su ultimo disco “Todos Nós Somos Um”, un album donde se acerca mucho mas al universo musical brailero logrando una fusion de estilos y ritmos como samba, xote, toada y bossa nova. Ademas en este trabajo participaron Fátima Guedes, Marcos Valle, Guinga, Paulo César Feital, entre otros.

El 24 de septimbre ultimo, Vercillo estubo en Buenos Aires y presento parte de su trabajo en el Teatro Opera y Sonidos Clandestinos estuvo ahi para charlar con él.

Fotos exclusivas de su presentación en el teatro Opera.

Jorge Araujo

2008-10-04T17:59:00.000-07:00

"Latidos"
Si no podes ver el video hace click aqui

Nació en Haedo hace 43, desde los ocho años que siente pasión por las música, los repiqueteos sonoros ya hacían eco en su cabeza. A los 11 años Jorge Araujo empezó a tomar sus primeras lecciones de música.

A los 20 años Jorge se empezó a codear con algunos de los grandes de la música como Armando Manzanero, Eddie Sierra y hace distintas participaciones en el mundo de Jazz con Fernando Rivero, Fats Fernández, entre otros. A partir de 1990 la carrera de Araujo iría cuesta arriba a partir de sus trabajos realizados con Lito Vitale, el grupo "Monos con navajas", y en 1995 se unió a Dividido donde toco hasta el año 2004 luego de haber grabado 5 discos.

Hoy, mas allá de estar tocando con Gran Martell junto a Tito Fargo y Gustavo Jamardo, su vida musical gira en torno a la experimentación; El cajón peruano es su instrumento experimental, “El romance con el cajón empezó por una decisión unilateral del señor Bam Bam Miranda, luego de concierto.”, expresa entre risas y con la mirada clavada en el cajón “Bam Bam, luego de tocar se levanto de su cajón y me le regalo”.
Tiempo le llevo animarse a tocar el instrumento, no por que no sepa, si no por respeto al instrumento.

¿Como descubriste el instrumento viendo vos de otro palo, de la batería y como empezó el romance con él cajón?

El romance parte de una decisión unilateral del señor Bam Bam Miranda. Fue en un concierto que dimos juntos, con otros invitados, Organizado por él, uno de los conciertos que mas me impresiono de los que yo vi de los que yo participe, por que tuvo que ver con mucha música de diferentes culturas, con danzas y otras cosas. Muy interesante desde el punto de vista artístico.

Los que fuimos, como el caso de Cordera, La Mona Jiménez, un hermano de él que baila danzas peruanas; fuimos varios músicos de manera desinteresada por que sabíamos que era a beneficio y cuando termino el concierto, Bam Bam se levantó de su cajón y me lo regaló.

Yo soy baterista y nunca me imagine que iba a tocar el cajón, entonces le dije que no, que ni en pedo, era como no saber que hacer con ese obsequio y el me dijo “no, vos tenes que tocar el cajón”, y yo la verdad pensé que era una ridiculez, me acuerdo perfectamente ese momento, y por otro lado al ver que era su cajón era también una responsabilidad, yo lo conozco y por el respeto que él significa, decidí decirle no de nuevo. Entonces llegó un momento que dije bueno y no me quedo otra y me dije “tengo que tocar algo en el cajón”.

¿Vos ya conocías el instrumento, habías tocado algo?

Obviamente, cuando tocábamos juntos con Bam Bam y Willy González, un bajista, en una banda que se llamaba la Banda Latina , Bam Bam tocaba el cajón y yo la batería. Así nos conocimos, hace como veintipico de años atrás, tocamos mucho tiempo y siempre me lo fui encontrando; después en una época yo estaba tocando en Lito Vitale cuarteto y fuimos a Córdoba y él ya estaba viviendo allá. Siempre nos encontramos, pero nunca paso una cosa como esta en la que él me dio algo con la seguridad de que yo lo tenía que tocar.
Yo la verdad que siento mucho aprecio a el siempre y mucha admiración como músico y me dije, “si el me esta diciendo esto por algo es”, cuando caí en razón dije bueno; y yo lo miraba al cajón , lo tenia ahí y no sabia que hacer, yo con las manos nunca toque nada, ni congas , nada.

Nunca habías tenido experiencia…

Percusión nada, yo soy baterista. Piernas, brazos, palillos y ¡chau!. Me siento más cómodo quizás arriba de un piano haciendo armonía que con un instrumento de percusión, me pierdo completamente.

Entonces, en un momento dado en una participación que tuve con Tito Fargo de un proyecto que el estaba abordando, acá en Argentina, se dio la posibilidad de hacer una cosa juntos, donde el cajón tuvo como un lugar, pero no sabía como tocarlo como para que yo para que realmente tuviera la personalidad que queríamos que tuviera en el proyecto. Entonces Tito me sugirió tocar con las escobas, cosa que yo probé y realmente no me gusto, barrer con las dos escobas no me resulto atractivo, no se, por una cuestión casual , empecé a barrer con una mano y generar ciertos ostinatos y a tocar con la otra mano como si fueran bombos y tambores, y de ahí no pare mas. Es mas, al día de hoy si hay una cajón peruano y hay una escoba… si hay no hay una escoba, digamos, casi como que no puedo tocarlo, puedo hacer el tema “latidos”, que es un tema que compuse con el cajón y cantando, pero no eh tocado cajón con las dos manos, como se toca generalmente.

Yo digo que soy un baterista que toco el cajón y que obviamente toco la batería con el cajón, y que con esto no se ofenda ningún cajonero, de hecho no es que estoy diciendo que toco el cajón peruano, yo toco una batería en el cajón. Básicamente labure esa situación y empecé a participar en un montón de proyectos y un montón de cosas que hasta en el “Vivo acá” de Divididos fue como también un momento donde hago eso de la escoba y con la mano, y creo que lo incluyo en la batería también. Pero nunca fui de incorporar el cajón a la batería.
Ósea, lo que yo hago es tocar la batería en el cajón y chau.

Una interpretación “baterística” a otro instrumento, digamos

Claro, una necesidad a raíz de esta exigencia con buena onda que tuvo el Bam Bam conmigo, una necesidad de responderle a él.
Yo hoy podría tocar tranquilamente con él, me encantaría tocar el cajón si él toca alguna cosa y yo poder hacer eso que hice con la escoba; me encantaría es una deuda que tengo pendiente, me voy a poner muy nervioso obviamente por que no es joda, pero me parece que él se va a copar, de ver que ese momento en el que me entrego ese cajón, que era suyo, no fue para nada en vano; fue una cosa que yo agradezco ahora profundamente por que hay momentos que estoy componiendo, que estoy tocando con otra gente, me invitan y voy con un cajoncito y la escoba y me siento y me voy al carajo, es como que no me hace falta nada, me siento súper conforme.
Lo que si aclaro siempre, es que primero para hacer lo que yo hice, tenes que saber barrer con las escobas; yo lo estudié y que en base a eso yo genero ciertos barridos, que obviamente no son míos, pero están con una vueltita de rosca, mas adaptados y de ahí la mano izquierda, digamos, me ayudo a la forma de barrer en el tambor a poder llevarla al cajón y a tocar con la mano derecha, lo que seria bombo y tambor.

Habiendo echo este proceso de transposición “baterística” hacia el cajón, ¿Qué ventajas notas hoy respecto al cajón a nivel timbrico, a nivel musical? Y a la hora de estar armando un tema tuyo o de Gran Martel ¿Por qué elegirías el cajón?

Me parece que el cajón tiene como todo instrumento primario una cosa que tiene que ver con un instrumento donde tocas con la mano, como los cueros por ejemplo, me resultaron siempre de un gran respeto por que no hay como ninguna interferencia entre vos y el instrumento es una cosa súper intima.

Yo me siento arriba del cajón hoy , me pongo a tocar y sin ser un cajonero, compongo de otro manera, canto, genero otra melodía que quizás en una batería ni en pedo las hago. Por ejemplo, “Latidos” yo creo que no podía haber salido de otro lugar que no sea del cajón, y ahora que lo pienso no hay otro instrumento que alla podido remplazar eso, por que no hay armonía, no hay platillos, no hay situaciones de sonidos a agudos.

Yo te conté del cajón que me regalo Bam Bam, ese es un cajón común, pero este – con el que compuso “Latidos”- es un cajón peruano de tres caras. Cuando yo fui y le dije que estaba como en una cuestión con la escoba y lo que estaba haciendo, me dijo “¡Mira lo que tengo para vos!”, y de nuevo me redoblo la apuesta, me la triplico y ahí nos pusimos a tocar los dos, en un hotel que casi nos matan en la recepción.

¿Y este cajón de tres caras es una creación de él, o es un modelo que esta basado en algún tipo de cajón alternativo?

Yo la verdad que eso no lo conozco, no se sinceramente de quien es el diseño, el único que vi yo es este y me contaron que hay un DVD donde toca Alex Acuña que tiene un cajón, no se si será igual o es otra cosa, pero que es un cajón como de dos o tres caras también.

¿Te dio curiosidad entrar en contacto con el cajón peruano a nivel musical, meterte en el mundo afro peruano?

Yo se en el territorio donde yo me manejo, las cosas que yo conozco y donde puedo hacer un aporte y en algunos lugares me meto como espectador, absorbo mucha de las cosas que hay en ciertas músicas, en ciertas etnias y las aplico dentro de que yo hago y a mi manera, pero meterme a tocar a tocar con músicos que toquen cajón peruano o músicos que toquen candombe, repique o todas esas cosas , ni en pedo; lo miro, me meto ahí lo disfruto.

Me acuerdo que una ves en Uruguay me reconocieron una pibes y me colgaron un instrumento para tocar en una llamada, estaba con mi mujer, vi a los pibes tocar y me mande, la pase muy mal, no sabia que hacer, no sabía que tocar. Me decian “¡vamos, vos adelante”, y no sabia que hacer, disfrutaba de escuchar pero medio que hacia play back, levantaba las manos y no tocaba nada.

En realidad, conozco lo que pasa rítmicamente por que lo he estudiado, pero no soy un tipo que consideré que eso lo puedo tocar con “swin”; me parece que esta bueno que uno de alguna manera tome cosas, pero si no profundizas no lo vas a poder hacer, entonces para poder meterme a profundizar la verdad prefiero hacerlo en otras cosas, conozco muchas músicas, me eh calentado por saber algunas cosas que exceden a la batería, pero la verdad no me meto en el terreno de los puristas por que ahí creo que hay que dejar eso y disfrutarlo.

El Audio de la entrevista

¡Gracias Jorge!